http://www.publiarq.com/libros/dynamic-beauty-sculpture-of-art-nouveau-paris/978-0-615-52534-1/

 Este es el primer libro dedicado a esta forma de arte muy popular y se mostrará cerca de 275 imágenes en color, mucho más que la suma total de la escultura en todos los libros generalistas, de estilo Art Nouveau - Artistas destacados incluyen a Sarah Bernhardt, Bouval Maurice, Rupert Carabin, Jean -Léon Gérôme, Charles Korschann y Raoul Larche - Acompaña una exposición que se celebrará en la Galería de Macklowe, Nueva York, del 9 noviembre-31 diciembre, 2011 Belleza Dinámica: Escultura de Arte Nouveau de París es el primer libro a explorar seriamente la escultura Art Nouveau francés y el clima estético y cultural que dio origen a la misma. París en 1900 marcó la primera vez que las paredes empezaron a desplomarse entre las artes "finas" y "decorativa". Los artistas estaban influidos por la poesía simbolista, como por el diseño japonés, y fascinado por el erotismo en la misma medida a su entusiasmo por la nueva tecnología de la luz eléctrica. Con la ayuda de la máquina collas, los artistas y las fundiciones creó esculturas de diferentes tamaños para una nueva clase media emergente de la casa que tenía, paradójicamente, con ganas de vivir, tanto en el mundo moderno del automóvil y el Mundo Antiguo de la recogida.

This is the first book dedicated to this highly popular art form and will show about 275 color images, far more than the sum total of sculpture in all the generalist Art Nouveau Books - Artists featured include Sarah Bernhardt, Maurice Bouval, Rupert Carabin, Jean-Léon Gérôme, Charles Korschann and Raoul Larche - Accompanies an exhibition to be held at the Macklowe Gallery, New York, from 9 November- 31 December 2011 Dynamic Beauty: Sculpture of Art Nouveau Paris is the first book to seriously explore French Art Nouveau sculpture and the aesthetic and cultural climate that gave rise to it. Paris in 1900 marked the first time that the walls began to break down between the 'fine' and 'decorative' arts. Artists were as influenced by Symbolist poetry as by Japanese design, and fascinated by eroticism in equal measure to their excitement about the new technology of electric light. Aided by the Collas machine, artists and foundries created sculptures in various sizes for a newly emergent upper middle class that was paradoxically eager to live in both the modern world of the automobile and the ancien monde of collecting.

http://www.publiarq.com/libros/the-ronald-s-lauder-collection-selections-from-the-3rd-century-bc-to-the-20-th-century-germany-francia-and-france/978-3-7913-5164-3/

Proporcionar una rara visión de una de las mejores colecciones de arte privadas del mundo, este libro presenta la extraordinaria colección de la Neue Galerie de co-fundador, Ronald S. Lauder. Este libro acompaña a una exposición de la colección de Lauder en la Neue Galerie, que celebra su décimo aniversario en el otoño de 2011. El libro se centra en seis áreas: el arte medieval, armas y armaduras, las pinturas de viejos maestros, los dibujos del siglo XIX y siglo XX-, el arte fino y decorativo de la vuelta-de-thetwentieth la Viena del siglo, y el arte moderno y contemporáneo. Cuenta con obras de Constantin Brancusi, Paul Cézanne, Vasily Kandinsky, Ellsworth Kelly, Gustav Klimt, Jackson Pollock, Piet Mondrian y Pablo Picasso, entre muchos otros. Ensayos de arte medieval especialista en Wixom William; Phyrr Stuart, los brazos y la armadura de guardián, Metropolitan Museum of Art; estima dibujos colector Eugene Thaw; independiente Comini estudiosos Christian Witt-Dörring y Alessandra, y Temkin Ann, conservador jefe de pintura y escultura, el Museo de Arte Moderno, discutir cómo la colección Lauder fue ensamblado y completan este volumen generosamente ilustrado. Abarcando una amplia gama de obras maestras, este libro ofrece una mirada en profundidad a través de la colección Lauder numerosas ilustraciones y ensayos académicos.

Providing a rare glimpse into one of the finest private art collections in the world, this book presents the extraordinary collection of the Neue Galerie's co-founder, Ronald S. Lauder. This book accompanies an exhibition of the Lauder collection at the Neue Galerie, which celebrates its tenth anniversary in the fall of 2011. The book focuses on six areas: medieval art, arms and armor, Old Master paintings, nineteenth- and twentieth-century drawings, fine and decorative art of turn-of-thetwentieth-century Vienna, and modern and contemporary art. It features works by Constantin Brancusi, Paul Cézanne, Vasily Kandinsky, Ellsworth Kelly, Gustav Klimt, Jackson Pollock, Piet Mondrian, and Pablo Picasso, among many others. Essays by medieval art specialist William Wixom; Stuart Phyrr, arms and armor curator, Metropolitan Museum of Art; esteemed drawings collector Eugene Thaw; independent scholars Christian Witt-Dörring and Alessandra Comini; and Ann Temkin, chief curator of painting and sculpture, The Museum of Modern Art, discuss how the Lauder collection was assembled and round out this generously illustrated volume. Encompassing a broad range of masterworks, this book offers an in-depth look at the Lauder collection through numerous illustrations and scholarly essays.

IGLESIA PALOMA DE LA PAZ/ WEAVA ARCHITECTS

http://www.plataformaarquitectura.cl/2012/07/14/iglesia-paloma-de-la-paz-weava-architects/

Por Fernanda Castro

Weava Architects compartió con nosotros su propuesta para la iglesia protestante del distrito de Dong Sheng, en la ciudad de Ordos, China. Después de tres años de espera, tras reubicar que el sitio en dos ocasiones, la Ciudad y la Asociación de los protestantes de Ordos ha llegado a un acuerdo para seguir la construcción de la nueva iglesia. Como resultado, el equipo reveló un esquema de diseño fresco que se basa en uno de los símbolos más eclesiásticos: la paloma de la paz. Más imágenes y la descripción de los arquitectos a continuación.

  

La forma de la planta es una reminiscencia de una paloma blanca en reposo antes del vuelo. La paz que pasa por encima de la silueta está implícita desde el principio. Esto no se debe solamente a que la planta es se basa en la forma de una paloma, pero también se debe a la distribución de los espacios y la relación entre ellos. Las paredes curvas y la topografía abarcan tanto el edificio como a las personas que frecuentan la misma.

El movimiento que se genera alrededor de la iglesia es siempre circular. Esto permite una visión global de la construcción a partir de la cota superior de la carretera y termina en la entrada principal. La altura de la cruz permite que la iglesia pareciera sobresalir de la tierra y se hace visible desde las carreteras cercanas y lejanas, convirtiéndose en un hito que permite a la gente posicionarse y referenciarse en la ciudad.

Arquitectos: WEAVA Architects
Ubicación: Dong Sheng District, China
Director de Diseño: Jean-Hubert Chow
Equipo de Diseño: Edward Kwitek, Jamie Yengel, Cristian Herraiz Muñoz, Gaspar Gonzalez Melero, Leila Bao, Greg Li
Superficie: 8,500 m2
Año: 2012

http://www.publiarq.com/libros/torres-y-rascacielos-de-babel-a-dubai/978-84-9900-063-3/

La exposición ofrece un recorrido por la historia de la construcción de torres y rascacielos, partiendo del mito de la torre de Babel, una construcción que desafiaba las leyes naturales y el poder divino y que fue una fuente de inspiración para pintores europeos del siglo XIII al XIX, hasta los rascacielos proyectados en el siglo XXI.

Desde la creación del mito de la torre de Babel hasta la aparición de los primeros rascacielos en 1850 en los Estados Unidos, el modelo se ha reproducido regularmente en el mundo entre los siglos XX y XXI. Las torres reflejan uno de los aspectos más importantes de la modernidad y constituyen referencias indispensables en términos de planificación urbana. El rascacielos es uno de los iconos de la modernidad. La imagen del rascacielos se ha convertido en una respuesta interesante a la escasez de espacio, no solo en las grandes ciudades de Occidente, sino en cualquier parte del mundo. La adopción de las nuevas y más sofisticadas tecnologías abre un campo para su renovación y la respuesta a nuevos problemas y a sensibilidades complejas. Altura, tecnología, sostenibilidad, creatividad y carácter emblemático, conciliación de la funcionalidad e impacto estético son cuestiones básicas y llenas de actualidad.

Esta exposición ambiciona explorar, a través de pinturas, grabados, dibujos, maquetas, fotografías y films, la diversidad de arquitecturas que a través del tiempo han demostrado una búsqueda de lo inaccesible, por su desmesura y por su deseo de vencer cualquier límite material.

The exhibition offers a journey through the history of the construction of towers and skyscrapers, starting with the myth of the Tower of Babel, a construction that defied the laws of nature and the divine power and was a source of inspiration for European painters of the thirteenth century to XIX, to the skyscrapers designed in the XXI century.

Since the creation of the myth of the Tower of Babel to the appearance of the first skyscraper in 1850 in the United States, the model has played regularly in the world between the XX and XXI centuries. The towers reflect one of the most important aspects of modernity and are essential references in terms of urban planning. The skyscraper is one of the icons of modernity. The image of the skyscraper has become an interesting response to the shortage of space, not only in big cities of the West, but anywhere in the world. The adoption of new and more sophisticated technology is scope for renewal and the response to new problems and complex sensibilities. Height, technology, sustainability, creativity, emblematic, reconciliation of functionality and aesthetic impact are basic questions and filled today.

This exhibition aspires to explore, through paintings, engravings, drawings, models, photographs and films, the diversity of architectures that over time have shown a search for the unattainable, for his excesses and his desire to overcome any material limit.

http://www.publiarq.com/libros/aalto-and-america/978-0-300-17600-1/

El arquitecto finlandés de renombre internacional y diseñador Alvar Aalto (1898-1976) creó varias señales de diseño moderno en los Estados Unidos. El primero, el Pabellón de Finlandia en la Feria Mundial de Nueva York en 1939, presentó su estilo pionero en el país y estableció su reputación entre sus pares estadounidenses. Los diseños subsecuentes producidos en los Estados Unidos marcó importantes puntos de inflexión en la evolución de su posición como arquitecto. Su proyecto encargado por el Massachusetts Institute of Technology de Baker dormitorio de Casa (terminado 1949) cuenta con una fachada ondulada de color rojo ladrillo, un material que hace referencia a los alrededores del edificio de Boston. En forma de abanico de Aalto plan de Mount Angel Abbey Library (terminado 1970) en San Benito, Oregon, consumada su exploración de la biblioteca de tipos, aprovecha el terreno local y el uso de luz natural . Diseños de Aalto tuvo un impacto duradero sobre el modernismo estadounidense, pero sus experiencias en Estados Unidos también influyó profundamente en su desarrollo estilístico propio. Aalto y Estados Unidos es un estudio detallado de esta relación beneficiosa, con la colaboración de quince expertos internacionales que exploran estos diseños claves en relación a los grandes temas de la política internacional, la cultura arquitectónica, de vivienda, de investigación y de la crítica moderna y el diseño.


The internationally renowned Finnish architect and designer Alvar Aalto (1898-1976) created several landmarks of modern design in the United States. The first, the Finland Pavilion at the New York World's Fair in 1939, introduced his pioneering style to the country and established his reputation among his American peers. Subsequent designs produced in the United States marked major turning points in his evolving position as an architect. His commissioned project for the Massachusetts Institute of Technology's Baker House dormitory (completed 1949) features an undulating facade of red brick, a material that references the building's Boston surroundings. Aalto's fan-shaped plan for the Mount Angel Abbey Library (completed 1970) in St. Benedict, Oregon, his consummate exploration of the library type, capitalizes on the local terrain and the use of natural light. Aalto's designs had a lasting impact on American modernism, but his experiences in America also profoundly influenced his own stylistic development. Aalto and America is a detailed survey of this beneficial relationship, with contributions by fifteen international experts who explore these key designs in relation to larger themes in international politics, architectural culture, housing research, and modern criticism and design.

http://www.publiarq.com/libros/women-picasso-beckmann-de-kooning/978-3-7757-3267-3/

A pesar de los clichés asociados con Pablo Picasso (1881-1973), Max Beckmann (1884-1950), y Willem de Kooning (1904-1997) en el "público" esfera privada, su exploración del tema "mujer" van mucho más allá definiciones de un solo lado. Sus retratos de mujeres son muy matizadas, sino que tienen un significado propio y una y otra vez a ser sensibles a las reflexiones de los problemas sociales y políticos y trastornos.Ellos no son simplemente zonas en las cuales se proyectan anhelos y deseos masculinos, pero los catalizadores para una confrontación con la propia vida del artista y de la historia (Picasso), mientras que en la obra de Beckmann son completamente libres, independientes contra-imágenes. De Kooning los ve como una fuerza separada en la que culminan las oportunidades para la expresión artística. Las contribuciones de los historiadores del arte, autores, sociólogos y artistas abordan el tema desde diversas perspectivas.Calendario de Exposiciones: Pinakothek der Moderne, Munich, 30 marzo-15 julio 2012


Regardless of the clichés associated with Pablo Picasso (1881-1973), Max Beckmann (1884-1950), and Willem de Kooning (1904-1997) in the "public" private sphere, their exploration of the theme "woman" go far beyond one-sided definitions. Their portrayals of women are highly nuanced; they have a significance of their own and time and again become sensitive reflections of social and political problems and upheavals. They are not simply surfaces upon which are projected male longings and desires, but catalysts for a confrontation with the artist's own life and history (Picasso), while in Beckmann's work they are completely free, independent counter-images. De Kooning sees them as a separate force within which culminate opportunities for artistic expression. Contributions by art historians, authors, sociologists, and artists approach the theme from a variety of perspectives. Exhibition schedule: Pinakothek der Moderne, Munich, March 30-July 15, 2012.

TWILIGHT EPIPHANY/JAMES TURRELL

http://www.plataformaarquitectura.cl/2012/07/03/twilight-epiphany-james-turrell/

Por Javiera Yávar

James Turrel, un artista norteamericano que experimenta los detalles perceptivos de la luz, ha realizado un espectáculo de iluminación en Texas, llamado “Twilight Epiphany”, que fue inaugurado el pasado 14 de Junio con un espectáculo de luces del atardecer. La estructura piramidal abstracta complementa el presente de la luz natural en la salida y puesta del sol, creando un espectáculo de luces fascinante que une la belleza del mundo natural con el campus de los alrededores.
Esta experiencia se ve reforzada por una actuación de luz LED que se proyecta en un espacio fino y blanco de 22×22 metros (aprox.), y que ofrece vistas al cielo a través de una abertura de 4×4 metros (aprox.). Este “espacio para el cielo” está acústicamente diseñado para actuaciones musicales y sirve como un laboratorio para estudiantes de la escuela de música, ya que se encuentra junto a la Escuela de Música de Sefer en el campus de la Universidad de Rice en Houston, Texas.

Este espacio para el cielo, que combina luz natural y luz artifical, tiene una capacidad para 120 personas: 44 butacas para el área de visión baja, que es adaptada para personas minusválidas, y 76 en el área de visualización superior.
 Lo interesante de este proyecto, es que este artista logra resolver de una manera sorprendente la relación entre la ilusión óptima arquitectónica y la iluminación.

A partir de una secuencia de luces LED instalados en el nivel superior, Turrell ha creado un espectáculo artificial y natural, en sintonía con la salida del sol o amanecer y la puesta del sol o atardeder, utilizando un pabellón flotante metálico con sensores programados para cambiar la intensidad y el matiz de iluminación a medida que transcurren las horas, de una manera indirecta.
 Un espacio para sentarse, observar y sentir es el objetivo de espectáculo, que dura unos 40 minutos, y el programa de la luz puede operar en una variedad de condiciones climáticas. David Leebron, el presidente de la Universidad de Rice, comenta: “La escuela tiene que desempeñar su papel en inspirar a nuestros estudiantes”.

Arquitecto: Thomas Phifer and Partners
Proyecto iluminación: James Turrell
Ubicación: Texas
Equipo de construcción: Linbeck
Año proyecto: 2012

 Un espacio para sentarse, observar y sentir es el objetivo de espectáculo, que dura unos 40 minutos, y el programa de la luz puede operar en una variedad de condiciones climáticas. David Leebron, el presidente de la Universidad de Rice, comenta: “La escuela tiene que desempeñar su papel en inspirar a nuestros estudiantes”.

http://www.publiarq.com/libros/the-sourcebook-of-contemporary-houses/978-0-06-206730-2/


Desde contemporáneos proyectos sostenibles para la arquitectura a una revisión de las tendencias históricas de la arquitectura y el diseño interior de una casa, este magnífico libro es una colección de las residencias más innovadores construidos en los últimos diez años. Ricamente ilustrado con las fotos del sitio, planos de planta, en el interior y los tiros exteriores, este compendio exhaustivo servirá como una fuente de inspiración para aquellos que buscan los planos de construcción o renovación. Si en realidad se está planeando construir o simplemente quiere un festín con esta generosidad de arquitectura con los ojos, el libro de las casas contemporáneas es seguro que será un must-have para cualquier dueño de casa, inquilinos, o soñador.

http://www.publiarq.com/libros/roman-republican-villas-architecture-context-and-ideology/978-0-472-11770-3/


La villa romana es un icono clásico de la cultura occidental, y sin embargo villa puede ser utilizado para cubrir una multiplicidad de ideas, experiencias y lugares. En la República tardía y los primeros períodos imperiales, las villas son inseparables de los estilos de vida de la élite, proporcionando un entorno de prestigio para ratos de ocio e intelectual. Pero, ¿cómo estas construcciones avanzadas ocurrido? Villas romanas republicanas examina aspectos claves de la cultura de principios de villa y la arquitectura, con el objetivo de comprender el desarrollo y despliegue de villas en la Italia republicana. Por ejemplo, ¿de dónde viene el "clásico" arquitectura de las villas se originan? ¿Cómo escritores como Catón el Viejo o el uso de Varrón la villa en su propio beneficio? ¿Cómo son visibles villas republicanas en el paisaje del centro de Italia?
Las teorías tradicionales sobre el desarrollo de Villa se han centrado principalmente en los ideales estereotipados de austeridad romana temprana y la laboriosidad. Nuevo trabajo en lugares como el Auditorio, sin embargo, demuestra la existencia de residencias de lujo ya por el c quinto-cuarto. C., incluso antes de laconquista romana de Italia. Estos acontecimientos recientes en el trabajo de campo arqueológico han comenzado a cambiar la forma del discurso de tal manera que las viejas suposiciones están siendo desafiadas y, en muchos casos, hallado falto. Dentro de este ambiente de los nuevos descubrimientos y de reconsideración, los estudiosos están excelentemente preparados para volver a examinar la villa y el papel que jugó en la cultura de la Italia romana, tanto en términos de los restos materiales y las fuentes literarias.La villa también tiene un papel prominente en la literatura republicana, tales como la Cultura de la agricultura de Catón y los textos de Varrón, ya que los primeros autores latinos buscan a las identidades de moda para ellos y para la ciudad de Roma. A partir de diversas materias primas, los ensayos recogidos de Villas romanas republicanas ayudar a volver a centrar la discusión de la cultura romana villa.

http://www.publiarq.com/libros/painting-restoration-before-the-restauration-the-origins-of-the-profession-in-france/978-1-905375-34-9/

El arte de la restauración de la pintura es casi tan antigua como el arte de la pintura misma. Los accidentes y el tiempo, inevitablemente, alterar la apariencia de una pintura, y estos cambios comienzan tan pronto como deja de caballete del artista. Alteraciones intencionales debido a los cambios en los gustos también han contribuido a las transformaciones que las pinturas fueron sometidos a menudo. Es evidente que el tipo de procedimientos de restauración consideradas éticamente aceptables han cambiado a lo largo de los siglos.Desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, pinturas europeas fueron consideradas como dos dimensiones ilusiones de un espacio tridimensional, y cualquier interrupción de esta ilusión fue considerado como un daño que requiere reparación . No hubo reconocimiento de los soportes de pintura como una parte integral de una imagen; sólo la capa de pintura y el sujeto representado se aprecia. Como resultado, los paneles se adelgaza a menudo y acunado con el fin de aplanar la superficie pintada de modo que la imagen representada podría ser visto con menos distracción. Soporta siquiera eran considerados sustituibles. La transferencia total de una superficie pintada sobre una superficie nueva era un procedimiento aceptable en el siglo XVIII - incluso hasta mediados del siglo XX. Invisible retoque se utilizó con la intención de devolver la ilusión de la superficie pintada a su "estado original", la historia de la obra no era importante. Hasta hace poco, era aún aceptable para modificar el formato de una obra de arte para adaptarse a un marco o un espacio en la pared. Tradicionalmente, si un cuadro fue dañado por accidente o si se requiere "ajustes" fueron, un pintor se le confió esta tarea. En el pasado, las profesiones de pintor y restaurador de pintura superpuestas, y ambos fueron entrenados como aprendices. Poco a poco, el restaurador profesional de la pintura apareció en Europa, y por la mitad del siglo XVIII, la profesión se ha establecido. Ejemplos anteriores de restauradores profesionales, especialmente en Italia, se han registrado, mientras que en otros países europeos, como Gran Bretaña, la carrera del restaurador de pintura profesional comenzó mucho más tarde.Durante la última parte del siglo XVIII en Francia, los restauradores de pintura de la colección real francesa se ​​hizo famoso en toda Europa por sus logros. La situación política tuvo una influencia importante en el desarrollo de la profesión en Francia. Los reinados de Francisco I (1515-1547), Luis XIV (1643-1715), Luis XVI (1774-1793), y luego el golpe de Estado de Napoleón Bonaparte y el Primer Imperio napoleónico (1804-1814) dio lugar a una creciente centralización del imperio francés. Las artes se pretende reflejar el poder del Estado, por lo que Luis XIV y su asesor político y Surintendent 1661 a 1685, Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), se convirtieron en los patrones de la Academia Francesa de Pintura Escultura y otros fundaron en 1648 . Una revisión de los estatutos de la Academia en 1665 los estudiantes que debe presentar cada año los dibujos que se centraron en las acciones heroicas del rey. Pinturas atribuidas sobre el estado de su dueño - en este caso el rey y la nación francesa. Luego se convirtió en una necesidad para tener las pinturas en la exhibición en su mejor apariencia, y la habilidad de los restauradores de pintura francesa incluso fue utilizado como una justificación para la política de Napoleón de la confiscación de obras de arte de toda Europa. La relación entre la administración del gobierno francés, en primer lugar bajo el Antiguo Régimen, a continuación, en la nueva República, y los restauradores de pintura que empleaban y supervisado se relata en este libro. La forma en que se produjeron cambios implica coloridas personalidades cuyas historias son a menudo divertida y conmovedora a veces, pero sobre todo nos ayudan a comprender la situación actual. En efecto, durante los turbulentos años de los patrones de la Revolución francesa surgieron nuevas, que en gran medida, permaneció en su lugar en Francia durante más de dos siglos.